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近日，第四届上音国际音乐剧节在沪落下帷幕。10月7日到10日，英国、韩国、德国顶尖专家带着海外经验赶来，与国内的制作人、作曲家齐聚一堂，共同探讨中国音乐剧如何既能讲好“中国故事”，又能站上世界舞台。音乐剧节期间，不仅有《泰坦尼克号》教学音乐会等精彩演出，更有中外大咖分享“怎么让音乐剧受欢迎”，满满“干货”。诚如上海音乐学院院长廖昌永所说：“音乐剧要扎根中国文化，也要和世界对话！”

解锁世界音乐剧创作新视角

音乐剧的魅力在于跨越国界的共鸣。英国皇家威尔士音乐与戏剧学院的布莱恩·韦尔直言，音乐剧的核心是“讲真故事、连观众心”。在该校的教学中，从不只练声乐技巧，而是让学生在《歌剧魅影》《悲惨世界》等经典剧目的片段排演中，磨合音乐、舞蹈与戏剧的融合度，还会定期安排学生参与本地剧院的驻场演出，让“学生”身份快速向“职业演员”过渡。

韩国明知大学教授李泰元用《基督山伯爵》《罗密欧与朱丽叶》等经典剧为例，拆解音乐剧的“四大魅力密码”：与观众的情感共鸣、跌宕起伏的叙事、歌舞乐的综合表达、贴近大众的审美。德国导演克里斯托夫·德鲁伊茨分享了自己的“桥梁实践”：在执导原创音乐剧《路德维希二世》时，他一边对接投资方的预算需求，一边倾听演员对角色的理解，还通过问卷调查收集观众喜好，最终打造出“沉浸式观剧场景”——让观众坐在“巴伐利亚城堡”式的剧场里，仿佛与主角共同经历人生起伏，这种创新形式让该剧在德国巡演时场场爆满。

探索中国音乐剧产业新路径

音乐剧不只是艺术，更是潜力巨大的产业。本届音乐节聚焦“产学协同”，业内大咖带来实打实的产业经验，为中国音乐剧发展支招。上海文广演艺集团总裁马晨骋细数上海的“音乐剧成长史”：2011年中文版《妈妈咪呀》首演，让中国团队首次摸到国际制作标准——从舞美搭建的毫米误差控制，到演员的每日声线保养流程，都成为行业范本；如今，《阿波罗尼亚》《桑塔露琪亚》等小剧场音乐剧开启驻演模式，不仅培养出一批能驾驭“一饰多角”的演员，还吸引了大量20-35岁的年轻观众，2023年上海音乐剧市场票房突破15亿元，稳居全国第一。

日本四季剧团的“成功秘籍”也在现场揭晓。据中国音乐剧研究会理事王翔浅透露，四季剧团为《猫》量身打造“帐篷剧场”，观众坐在环形座位上，仿佛置身“垃圾场”，与演员近距离互动；引进《狮子王》时，更是打破“短期巡演”惯例，提出“无限期长期公演”，还通过地铁广告、校园快闪、观众口碑分享会等“无孔不入”的宣传，让该剧在东京公演10余年仍一票难求。

在国家社科基金艺术学项目研讨会上，作曲家为音乐剧创作“把脉”。刘欢提出“音乐要贴紧中国故事”，他在为音乐剧《三星堆》创作音乐时，融入了古蜀文明的“青铜编钟”音色；捞仔则建议多用“地域音乐元素”，比如在描写江南故事的音乐剧中，加入评弹的琵琶指法和吴侬软语的旋律线条，让音乐自带“文化辨识度”。

唱出更响亮“中国声音”

如何让中国音乐剧既有“中国味”，又具“国际范”？音乐剧《长安十二时辰》的作曲安栋，分享了一场“古今音乐对话”：为展现长安的繁华，他让琵琶弹出摇滚的节奏，笛箫埙与电子合成器交织，中国鼓的重音撞上架子鼓的切分；剧中还加入了陕西话、突厥语的台词。巡演时，不少观众表示“听到琵琶与摇滚的碰撞，瞬间感受到长安的古今交融”。

漫漫征途上的中国音乐剧从业者仍需努力。上海话剧艺术中心导演周小倩直言“中国音乐剧仍在探索期”，部分演员存在“重唱功、轻表演”的问题，比如演《梁祝》时，只注重高音是否唱得稳，却忽略了祝英台“女扮男装”的细腻情绪。她建议年轻演员先从《雷雨》《茶馆》等经典话剧的片段练起，打磨角色理解能力，学生则可先排演中文版《吉屋出租》《发胶星梦》等成熟剧目，积累经验后再尝试原创。

音乐剧节期间举办的教学成果展成为“创新秀场”：中央戏剧学院、北京舞蹈学院等10所院校带来原创片段，如上音学生创作的《敦煌谣》，用古筝、箜篌演绎西域风情，舞蹈融合敦煌壁画中的“飞天”姿态；压轴的《泰坦尼克号》教学音乐会，学生在舞台设计中加入“中国红”元素，让“生命绝唱”多了一份东方温情，展现出“教创演研一体化”的培养成效。